Acerca de "En América". Entrevista a Jim Sheridan

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Entrevista realizada por Eva Latonda y publicada en la web de la Conferencia episcopal española

Entrevista
Jim Sheridan
Un irlandés muy americano

Mi pié izquierdo (1989), El Prado (1990), En el nombre del padre (1993), The boxer (1996)... A todos nos suenan estas películas. Son obras del irlandés Jim Sheridan, que tras unos años dedicado a la producción, vuelve tras las cámaras. Esta vez nos regala un encantadora historia semi-autobiográfica sobre la capacidad de redención del hombre, la fortaleza del matrimonio y el consuelo de la amistad desinteresada. Un auténtico regalo para la vista y los sentimientos.

...Un grandísimo guión...

Gracias pero nada fue fácil... Primero trabajar con mis hijas, también guionistas profesionales que ponían objeciones a todo. Luego las dificultades que cualquier guión ofrece, sumado al “todavía más” de lo autobiográfico. El problema para el que hace una película es que necesita soltar toda la información desde el principio. De alguna manera es lo que hago en la primera secuencia. Esta es muy delicada porque debe cumplir la misión de situarnos en todos los futuros acontecimientos de la historia. Es el momento en que llegan a la frontera estadounidense. Lo que vemos son unos padres con muy poco dinero, que intentan abrirse camino en esa “América, tierra de sueños”, y huyendo al mismo tiempo del fantasma de la reciente muerte de su hijo Frankie. Cuando las niñas insinúan que sus padres no tienen trabajo, ellos sienten miedo porque las autoridades de inmigración se les van a echar encima. Este es el primero de los miedos a los que se tendrá que enfrentar la familia en su nueva andadura.


Entiendo, es ese gran miedo que siempre siente uno al cruzar una frontera.

Si. Sin embargo creo que para los irlandeses siempre ha sido más fácil la llegada a América. Quizá hemos sido el único pueblo colonial que ha sido aceptado después de una hambruna. Tanto irlandeses como americanos aceptamos este mito. Muchos ingleses rechazan este hecho por un sentimiento de culpabilidad. Por eso la película no está teniendo éxito en Inglaterra, pero afortunadamente el resto del mundo parece aceptarlo.

Habla con mucho cariño de América...

Tengo que decir que mi experiencia en América ha sido muy distinta a la que se puede ver desde Europa o a los tópicos que nos han hecho creer. Yo salí de allí viendo que la mayor parte de los países pagaban a los artistas para ser intelectuales izquierdistas, por eso nunca me he fiado de los radicales asalariados del Estado. Ese temor al capitalismo, el sistema médico sin funcionar... yo no viví eso.

Usted ha declarado que muchas de las cosas que allí le pasaron no las ha podido contar en la película porque hubieran resultado demasiado absurdas. Cuéntenos alguna de ellas.

Recuerdo que cruzar la frontera fue sencillo, pero enseguida nos detuvieron porque mi mujer conducía con exceso de velocidad. El juez me multó con 40 dólares. Sólo tenía 38. Me iban a meter en la cárcel, pero uno de los policías me dio los dos dólares que necesitaba. Después me dio otros diez dólares para la gasolina y el peaje. Se despidió diciéndome que sus abuelos eran irlandeses. Como comprenderás, no introduje esto en la película porque resultaba demasiado estrafalario.

Esta es una película que habla de pequeños “milagros”, incluso alguno de los nombres (Mateo, Christy, el restaurante Heaven) parecen sacados de un libro religioso. ¿Hay alguna segunda intención en esos nombres?

Pues no sé cómo encontré el nombre de Mateo. Tal vez haya sido mi inconsciente. Lo que sí recuerdo es que cuando llegué a Nueva York, existía un restaurante que se llamaba “El cielo”. Todo el mundo pensaba que aquel era un nombre demasiado simbólico para una heladería de la calle 54 con la 9 (risas...). El caso del personaje de Mateo, es verdad que es distinto. Él es como el padre espiritual de toda la familia, y con esta mente tan perversa que tengo, pensé que sería perfecta la idea de colocar como centro dramático de la acción a un negro, que se está muriendo de SIDA y africano. A veces uno puede colar muchas cosas sin que el resto se de cuenta, y a veces hacerlo así, a espaldas de los demás, resulta más eficaz.

Dicen que los grandes directores siempre cuentan una misma historia. En su caso, parece que la familia es el recurrente.

Todos tenemos nuestra propia historia “ADN”. La que conozco mejor es la de Shakespeare por lo enraizado que está en la cultura anglosajona. Vivió en plena revolución puritana, su familia era católica devota, incluso detuvieron a su padre por conspiración. Aunque él no era ni católico ni protestante, buscaba una religión más allá de todo aquello. Como anglosajón, me interesa contrastar la intimidad de la familia con la frialdad de las superestructuras políticas, que es en el fondo lo que hace Shakespeare. Todas sus obras tratan, además de sobre la figura del primogénito enfrentado, sobre la agresión de los puritanos hacia la mujer. Son historias en las que el hombre se da cuenta de la infidelidad de la mujer (Hamlet. Otelo, El Rey Lear...) y desea matarla o dominarla. Esto es así porque la revolución del puritanismo es, esencialmente, un acto de agresión contra la sociedad matriarcal. En esta película, sin embargo, el derrotado es el padre, frente a la potente presencia de la madre. Ella es capaz de sustentar a la familia, hasta que el padre consigue recuperar su dignidad, restaurándose así ese ambiente de intimidad familiar que tanta gente anda buscando hoy en día y que lamentablemente estamos perdiendo.

¿Podría calificarse esta película como de realismo mágico?

¿Realismo mágico?, para mi el realismo mágico siempre ha sido algo latino o español por lo que hablar de realismo mágico en esta película es para mi como hablar de champiñones (risas...). Desde luego me encantan los libros de Carlos Castañeda, pero los irlandeses somos más cercanos a Inglaterra; a esa sociedad más cerrada, en la que incluso dramaturgos como Ionesco o Becket, aparentemente más oníricos, no lo son. Esta película es muy tradicional. Sus estructuras internas son muy americanas, muy a lo Ibsen, es decir de tres actos: presentación, nudo y desenlace. Los puntos de giro están ocultos porque en la vida real están ocultos.

¿Dónde está entonces el secreto para que esta película resulte tan... mágica?

En mi opinión, el auténtico punto de giro que hace que cambie la película, es el momento en que se engendra al niño. Por eso necesitamos esa voz en off que explique que... “Y en ese momento se concibió al bebé”. La nueva vida que viene, junto con la vida que se va, la de Mateo, son el punto neurálgico de la acción, lo que hace que todo funcione y avance. Si hay algo “mágico” es lo de los tres deseos de la hermana mayor.

Otro de los puntos clave de la película es la muerte de Frankie, ¿no?

Muchos escritores y artistas (Wilde, Joyce, Dalí o Van Gogh...) han tenido un hermano que ha muerto. Las experiencias dramáticas son muy difíciles de rodar. Nos han hecho creer que el lenguaje cinematográfico es sólo visual, porque es muy difícil rodar lo invisible. Hay genios que lo han hecho, personas con quienes no podría estar ni en la misma habitación... Kubrick, Hitchcock. Ellos manejan la cámara como si fuera el ojo de Dios. Yo no tengo ese talento. Para mi, lo invisible es hacer sentir a la gente que forman parte de aquello que están viendo. Si lo consigo, me doy por satisfecho. Creo que mi cine es más de búsqueda que de presentación.

¿Cómo consiguió transmitir todo esto a las dos pequeñas protagonistas? Desde luego sus dos interpretaciones son memorables...

Sobre las niñas hay multitud de anécdotas que podría contar. Cuando conocí a Emma Bolger, la hermana pequeña, vi que era exacta a mi hija, así que le di el guión para que lo leyese. Pero ¿cómo iba a leer una niña de tan sólo cinco años? El caso es que lo hizo perfectamente. Pero Pensé que iba a ser horrible trabajar con una esas niñas precoces de cine... Así que dije “¿Hay otras niñas?” Me trajeron a otra y le di el guión. De pronto sentí que alguien me agarraba por detrás y me di la vuelta. Era Emma. Me estaba mirando fijamente, con una mirada muy sofisticada y me dijo algo así: “Jim”. “¿Sí?” -le dije yo. “Esa niña está leyendo mi papel...” De verdad que intenté decirle que se trataba de una prueba y que así funcionaban las cosas, pero aquella seguridad en sus ojos, esa creencia en que ella era la niña del papel, me hizo recobrar mi propia inocencia que había perdido. La miré y pensé que esta era la primera niña de 100, y que sólo ha leído una línea ¿cuál iba a ser mi respuesta?... “Nadie va a leer más tu papel porque es tuyo”. Ella me contestó “Bien, pues mi hermana está en el coche”. “Y ¿cuántos años tiene?” “10”- me dijo. “Demasiado joven”, “Jim, deberías verla” Por supuesto bajé para ver a su hermana y no me quedó más remedio que cogerla a ella también. Recuerdo también uno de los primeros días del rodaje. Algo salió mal y yo grité ¡Corten! Entonces, la mayor salió de entre la muchedumbre y me dijo “Jim, no pasa nada si juras y dices palabrotas delante de mi. Tengo 10 años. Pero mi hermana sólo tiene 5 y es de muy mal gusto que digas palabrotas delante de ella, así que voy a tener que pedirte que desistas...” El equipo entero me miraba expectante para ver cómo reaccionaba. Y contesté: “No creo que eso vaya a pasar, así que qué vamos a hacer...(silencio largo)... vamos a hacer lo siguiente: tu dices ¡acción!, y cuando Emma vea algo que no le guste dirá ¡corten!” (muchas risas). Desde luego reconozco que esta es una historia graciosa, pero para mi fue una lección.. Lo que ocurrió con ellas fue algo imprevisible, algo que no puedes dirigir, tan sólo dar gracias a Dios y procurar no querer ser Él para no estropear el misterio.

Eva Latonda


Saludos