Clásicos Populares

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36. DOÑA FRANCISQUITA. Fandango. Amadeo Vives

Se la considera como una de las más grandes obras de la zarzuela, sentando modelo dentro del género grande. El libreto, basado libremente en la comedia de Lope de Vega, retrata el Madrid romántico de una manera poética y fiel, creando cuadros de gran colorido y viveza, sin caer en la mera recreación histórica, siendo esta una obra llena de frescura. Por sus características puede definirse también como una ópera cómica de gran calidad.

En el apartado musical se aprecia el gran genio del barcelonés Amadeo Vives al reflejar en su música el alma de Madrid y crear grandes páginas líricas como la «Canción del ruiseñor» o la romanza «Por el humo se sabe», a otras de sentido popular y gran colorido como el animado pasacalle de estudiantes y modistillas, o el conocido fandango del baile de cuchilleros.

Lo podemos escuchar en la versión del Concierto Voces para la Paz (Músicos Solidarios) del año 2010, dirigidos por Miguel Roa, con la colaboración especial de Lucero Tena, a las castañuelas.

https://www.youtube.com/watch?v=c_-rmRqrWzA

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37. ESPARTACO Adagio. Aram Khachaturiam

Las fuentes clásicas sobre la historia de Roma aseguran que, en el año 71 antes de Cristo, seis mil esclavos fueron capturados y crucificados a lo largo del camino entre Capua y Roma como consecuencia de la última batalla librada entre las legiones romanas comandadas por Marco Licinio Craso y un ejército rebeldes liderado por un gladiador tracio llamado Espartaco. Terminaba así la tercera de las Guerras Serviles en la que a lo largo de casi tres años un ejército de esclavos insurrectos, que llegó a alcanzar los ciento veinte mil sediciosos, hizo temblar los cimientos de la República romana.

En julio de 1950, Aram Khachaturian, georgiano como Stalin y una de los compositores más influyentes y respetados de la extinta Unión Soviética, comenzó la composición de una de sus páginas más populares: la música para un ballet basado en el argumento desarrollado años antes por el crítico y escritor ruso Nikolai Volkov sobre la rebelión de Espartaco. El propio Khachaturian definía al personaje de Espartaco como paradigma del socialismo libertador, quizás haciendo alusión a su propia experiencia en la Unión Soviética, tan carente de libertad que el compositor, que nunca pasó de tener tibias relaciones con el aparato oficial, estuvo censurado por el propio régimen acusado de alejarse de los ideales de la revolución. Siempre respetando las formas tradicionales y empleando elementos melódicos, rítmicos y armónicos transcaucásicos, la obra, concluida en 1954 y representada por vez primera en 1956, fue objeto de sucesivas revisiones por parte del compositor a lo largo de los años.

Aunque inspirado en hechos reales, el argumento del ballet se construye en torno a una ficción en la que se entretejen el sufrimiento de los esclavos oprimidos y la arrogancia de los opresores, el ansia de libertad y el poder, el sexo y el amor casto y conyugal de dos parejas antagónicas de amantes, el esclavo Espartaco y su esposa Frigia, y el cónsul romano Craso y su concubina Egina. Del ballet se extrajeron varias Suites para ser interpretadas en concierto, entre las que destaca este Adagio de Espartaco, que interpreta la Orquesta Filarmónica de Moscú dirigida por Fabio Mastrangelo, con el solista Boris Berezovsky al piano.

https://www.youtube.com/watch?v=81IcfKPp97M

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38. GYMNOPEDIA Nº 1. Erik Satie

Erik Satie(1866-1925) fue un compositor y pianista francés, precursor del minimalismo e impresionismo, que hoy está considerado como precursor del teatro del absurdo y de la música repetitiva.

Las Gymnopedias son tres obras para piano compuestas por Erik Satie y publicadas en París en 1888. Después de haber leído la novela histórica Salambô de Gustave Flaubert, el compositor francés tiene la idea de crear piezas para piano inspiradas en las danzas de la antigüedad griega. El término gimnopedia designa una danza practicada por jóvenes bailarines desnudos de Esparta.

Son unas piezas breves y atmosféricas que están escritas en compás de 3/4. Cada una de ellas presenta un tema y una estructura similar. Se trata de obras ligeras pero atípicas que desafían deliberadamente numerosas reglas de la música clásica y la contemporánea. Por ejemplo, los primeros compases de la Gymnopedia n.º 1 consisten en una progresión alternante de dos acordes mayores con séptima; el primero en la subdominante que es sol y el segundo sobre la tónica que es re. Las melodías de las piezas usan deliberadas aunque suaves disonancias contra la armonía. De esa manera producen un efecto picante y melancólico que encaja con las indicaciones de interpretación, que son respectivamente para tocar cada pieza "dolorosamente", "tristemente" o "gravemente".

https://www.youtube.com/watch?v=Lvqoqjwfv-c

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39. AIRES GITANOS. Pablo Sarasate

Martín Melitón Pablo de Sarasate y Navascués (Pamplona, 1844 – Biarriz, 1908), conocido como Pablo de Sarasate, fue un violinista y compositor español. Viajó por toda Europa dando conciertos. También fueron frecuentes sus desplazamientos a América del Norte y Sudamérica. Según la prensa de la época, sus conciertos y recitales fueron memorables. Fue poseedor de dos violines Stradivarius, uno regalado por la reina Isabel II de España y adquirido a Jean Baptiste Vuillaume y otro comprado a Gand y Bernardel.

Aires gitanos es una obra musical para violín y orquesta (o violín y piano) en Do menor. Fue escrita por el compositor español Pablo de Sarasate en 1878 y fue estrenada durante ese mismo año en Leipzig. Está basada en la música gitana, especialmente en las csárdás. Es la obra más famosa de Sarasate y es una de las preferidas entre los virtuosos del violín.

La obra está escrita únicamente en un movimiento, pero puede ser subdividida en cuatro fragmentos dependiendo del tempo: Moderato, Lento, Piú lento y Allegro molto vivace. La parte del solista es muy exigente técnicamente y consta de dobles cuerdas, armónicos artificiales, pizzicato de mano izquierda y spiccato. Lo interpretan la violinista Francesca Dego con la Orquesta de Santa Cecilia.

https://www.youtube.com/watch?v=1lzAGY8ds68

[droid]

Maravillosa la "Gymnopédie No.1". esta es otra de esas obras clásicas muy reconocidas por todos (al menos lo digo por mí) pero que nunca le hemos puesto nombre ni autor.

Impresionante también la fuerza que desprenden "Aires gitanos", y "Espartaco".

Muchas gracias, Vertigo.

Un saludo.

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40. VALS OPUS 64 N° 2. Fredéric Chopin

Los valses de Frédéric Chopin son piezas de tiempo mediano como los valses comunes de 3/4, pero son notoriamente diferentes a los valses vieneses, al ser interpretaciones para concierto y no para baile. Algunos son accesibles para pianistas de habilidad moderada, pero los más difíciles requieren una técnica avanzada. La "Invitación a la danza", de Carl Maria von Weber, sirvió como modelo para estos valses. Chopin empezó a componer los valses en 1824, a la edad de catorce años, y siguió componiéndolos hasta el año de su muerte en 1849.

Una suerte de estribillo acompaña al tema principal que, repetidos cuatro veces, son seguidos por un interludio como tercer tema, más calmo y lírico La pieza concluye de manera limpia con el estribillo, sin la menor estridencia, como si aquél se desvaneciera.

Arthur Rubinstein (1887-1982) fue un pianista polaco de origen judío, célebre por sus interpretaciones de Chopin y de muchos otros compositores. Fue nombrado por The New York Times como uno de los grandes pianistas del siglo XX. Esta interpretación data de 1975.

https://www.youtube.com/watch?v=K63z2Kgfu8s

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41. SONATA No 2 PARA VIOLÍN Y PIANO. Ludwig van Beethoven

Lo que ahora llamamos sonata para violín y piano, estando los dos instrumentos socios en pie de igualdad, había comenzado temprano ya con Mozart. Gracias al joven compositor austríaco, el violín asumió gradualmente un papel mucho más activo. Así que en 1799, cuando Beethoven publicó su primer set de sonatas para violín, la designación de la página de título "para el clavicordio o el fortepiano con un violín" ya era anacrónica en su casi descarte de la parte de la cuerda. Esto resultó ser una especie de broma, como se descubrió al comienzo de la sonata principal de la serie. Esta Sonata fue compuesta por Beethoven entre 1797 y 1978 y dedicada a Antonio Salieri.

El primer movimiento, Allegro vivace, se abre con un rápido y mecánico acompañamiento de vals, característico de la escritura del teclado de la época, excepto que aquí lo toca el violín, mientras que el piano reproduce una melodía sencilla que se salta hacia abajo y que en breve se rompe en una carrera frenética.

En el segundo movimiento, Andante, più tosto allegretto, el tema se divide en frases de cuatro compases, cada mitad introducida por el piano antes de ser apropiada por el violín. Esta primera sección está construida alrededor de una melodía fluida pero aún inocente que finalmente se convierte en propiedad exclusiva del violín, con el piano ofreciendo un acompañamiento modesto y en staccato.

El tercer movimiento, Allegro piacevole, es un rondo relajado cuyo tema recurrente es una feliz melodía silbando, con unos amplios saltos y giros intercalados. Beethoven guarda una broma más para el final: los instrumentos se mueven a través de una cadencia final que suena decisiva en plena asociación, solo para que el piano tenga la última palabra con una última nota extra.

https://www.youtube.com/watch?v=K8Ps63X-8ts

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42. FANTASÍA PARA UN GENTILHOMBRE. Joaquín Rodrigo

Fantasía para un gentilhombre es un concierto para guitarra y orquesta del compositor español Joaquín Rodrigo. Es su segundo concierto más popular, después del Concierto de Aranjuez. Sus cuatro movimientos están basados en seis danzas cortas para guitarra solista del compositor español del siglo XVII Gaspar Sanz, tomadas de la obra conocida comúnmente como Instrucción de música sobre la guitarra española. Rodrigo compuso el concierto en 1954 a petición del guitarrista Andrés Segovia, que era evidentemente el gentilhombre referido al título.

El segundo movimiento se inicia con Españoleta, un tema lírico que tiene una melodía fascinante con un rico acompañamiento de cuerdas. La sección central de este movimiento, Fanfare de la Caballería de Nápoles, trae golpes rápidos, discordantes del tambor junto con el acompañamiento de la guitarra y fanfarrias espectrales de trompeta y flauta. El movimiento se concluye con una repetición de Españoleta.

Aquí lo escuchamos, interpretado en Madrid en 1987 por el guitarrista Narciso Yepes con su guitarra de diez cuerdas.

https://www.youtube.com/watch?v=ZCUkYSdCoTg

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43. CLARO DE LUNA. Claude Debussy

El célebre Claro de Luna de Debussy es una de las cuatro piezas que conforman la Suite Bergamasque. Esta suite está formada por un Preludio, un Minué, el ya mencionado Claro de Luna y el Passepied final. Pero ha sido esta tercera pieza, una de las más del compositor francés. Ha sido utilizada en innumerables ocasiones como música incidental para films o asociada a la representación musical de la pintura impresionista.

Si bien siempre es muy complicado tratar de interpretar las emociones que una obra musical puede suscitar en cada individuo, la pieza transmite inequívocamente una intención contemplativa, por momentos melancólica y por momentos sensual.

El título se inspira en uno de los poemas de la colección Fetes galantes (Fiestas galantes), que en 1869 publicó Paul Verlaine.

CLAIR DE LUNE

Votre ame est un paysage choisi
Que vont charmant masques et bergamasques
Jouant du luth et dansant et quasi
Tristes sous leurs déguisements fantasques

Tout en chantant sur le mode Mineur.
L’amour vainqueur et la vie opportune
Ils n’ont pas l’air de croire a leur bonheur
Et leur chanson se mele au clair de la lune,

Au calme clair de lune triste et beau,
Qui fait rever les oiseaux dans les arbres
Et sangloter d’extase les jets d’eau,
Les grands jets d’eau sveltes parmi les marbres.

((Traducción de Manuel Machado:

Vuestra alma es un exquisito paisaje,
Que encantan máscaras y bergamascos,
Tocando el laúd y danzando y casi
Tristes bajo sus fantásticos disfraces.

Siempre cantando en el tono menor,
El amor triunfal y la vida oportuna
Parecen no creer en su felicidad
Y sus canciones se unen al claro de la luna.

Al tranquilo claro de luna, triste y bello,
Que hacen sonar los pájaros en los árboles,
Y sollozar extáticos a los surtidores,
Surtidores esbeltos entre los blancos mármoles.))

https://www.youtube.com/watch?v=ZIsQPdC9YnY

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44. PEER GYNT. Suite nº 1. Edward Grieg

En 1876 Edward Grieg contaba treinta y tres años de edad y había empezado a despuntar dentro del ámbito musical de su país con composiciones como el célebre Concierto para piano en la menor y las Piezas líricas para piano. En ellas se apreciaba ya una perfecta fusión entre el espíritu romántico de autores como Schumann y el folklore de su país, que empezó a emplear abiertamente gracias a la influencia de su amigo Rikard Nordraak, autor del himno nacional noruego.

La Suite Nº 1 de Peer Gynt "La mañana" es una música del amanecer por excelencia. Un solo de flauta expone el conocido tema, que poco después toma el oboe, iniciándose un delicioso diálogo entre ambos, hasta que la cuerda ejecuta el tema con grandiosidad desarrollándolo por completo. Finalmente, la trompa lo repite una vez más, con suavidad, iniciando un lento declive que concluye con del desvanecimiento de las notas en el aire, como si el amanecer se hubiese trocado en manso atardecer sobre las aguas del mar noruego. La mañana es uno de los más grandes logros de la música descriptiva, por cuanto que todo oyente occidental ha sabido siempre identificar lo que representaba ignorando su título o procedencia. El empleo de la madera dibuja en la imaginación del oyente bandadas de pájaros remontando suavemente el vuelo sobre verdes montañas, mientras que el crescendo orquestal, tras los tímidos esbozos de la flauta y el oboe, parecen corresponderse a la imagen majestuosa del sol emergiendo rojizo en el horizonte.

https://www.youtube.com/watch?v=mv4cx3C3SZ4